La Primera Fila

Diez años después de lo que parecía el enterramiento de la saga y tres desde que Disney compró Lucasfilm y decretó que había que barnizarla con la máquina de imprimir billetes de Mickey hasta sacar 6 películas más, por fin ha llegado a nuestras pantallas la séptima entrega de las aventuras intergalácticas más queridas por todos.

Soy consciente de que por mucho que sea denostada una película, nadie soporta a los haters, por lo que para evitar ese efecto escribiré primero lo que me ha disgustado y en segundo lugar lo que me ha convencido de esta nueva entrega de 'Star Wars'.





Lo que no puedo soportar:

1- Excesivos homenajes: "Ayúdame Obi-Wan Kenobi, eres mi única esperanza". Esta frase es lo único que le falta al inicio de la película para ser un calco del episodio IV. BB-8 es R2-D2 que sirve de puente para la unión de los protagonistas (que afortunadamente todos pasaban por allí). Por mucho que repitan el nombre de "Jakku", ese planeta desértico y hostil es Tatooine. Y la lista continúa.


2- El sable láser de Anakin: La Excálibur de la Guerra de las Galaxias es la espada más reconocible de este particular universo. Tiene una forma única, yo mismo aún conservo la mía que se ilumina de color azul guardada en el sótano de mi casa para, quién sabe, pasarla a nuevas manos algún día como el viejo Ben se la entregó a Luke. Pues bien, si no recuerdo mal, la última vez que había sido vista fue cuando el aún iniciado Skywalker pierde la mano ante su padre y se precipita en una caída libre casi infinita. Ahora ha reaparecido (y con el poder añadido de la reminiscencia) en un garito de mala muerte y, cuando le preguntan a su poseedora cómo lo consiguió, ella... nos dice que esperemos a la próxima entrega.

3- El tamaño no importa: De las pocas críticas que se atreven a hacer a una de las cintas más míticas de siempre, 'Una nueva esperanza', es que el final de la Estrella de la Muerte no termina de convencer. Por si fuera poco, este fallo lo repiten en 'El retorno del Jedi'. Pues puestos a homenajear hasta el borde del remake, en el episodio VII desarrollan algo así como "el planeta de la muerte", el cual es neutralizado, cómo no, del mismo modo que las anteriores.

4- Ben se queda Solo: Utilizo este subtítulo por si algún despistado ha entrado a ver este contenido no destriparle el mayor spoiler de la peli. Si ya de por sí que el hijo de Leia y Han se pase al lado oscuro me parece de un morbo alejado de la trilogía original y más bien cercano a un fan-made trasnochado, la atmósfera de la escena en la que se da muerte a uno de los héroes (aquí el calificativo es innegable) más carismáticos de la historia del cine no hace ningún favor a su grandeza. Han se ha despedido de todos, ha cumplido su parte de la misión, tiene espectadores de lujo y se ha colocado en un escenario trágico ante su hijo desquiciado y con un arma letal. Sí, como todos podíamos intuir, es asesinado.


5- Aprender la Fuerza para dummies: Algo que creo que se había conseguido con gran éxito había sido darnos a entender que lograr el dominio de la Fuerza conllevaba años de entrenamiento, que si no eras prácitcamente un bebé podías ser demasiado mayor para empezar, y que incluso a veces necesitabas ser "El Elegido" para poder vencer a las adversidades. Pues bien, algo más se nos tiene que escapar si Kylo Ren, tras haber superado tan retorcidos requisitos, es humillado por una chatarrera y un Stormtrooper del montón.




Ahora vamos con lo que sí me ha gustado:

1- Rey, una nueva esperanza: Mucho antes de que lo políticamente correcto se adueñara del siglo XXI, un tal Hayao Miyazaki ya creaba protagonistas guerreras, fuertes e independientes, que aún así no tenían por qué perder su dulzura ni su lado femenino. Así fueron, por ejemplo, Nausicaä o Mononoke. Rey es de los mejores ejemplos de heroína "ghibliniana" de los últimos años, valiente y aventurera, a la que todos los públicos podrán admirar y respetar en las historias venideras.

2- Oscar Isaac está on fire: En la escena del rescate en la que Finn ayuda a escapar al rebelde hecho prisionero muchos se habrán dado cuenta de cuál de los dos se comía la pantalla con su interpretación. Y es que el actor que da vida a Poe Dameron es uno de los intérpretes más en forma de Hollywood. Ya demostró su talento en cine y series de culto recientes como 'A propósito de Llewyn Davis' o 'Show me a hero', y ahora se lo va a pasar en grande con super-producciones como 'Star Wars' o 'X-Men'. Que lo disfrute, se lo ha ganado.

3- Como manda la tradición: Al contrario de la opinión popular, creo que George Lucas realizó un intento acertado con la trilogía moderna (I, II y III), si bien no le salió del todo como esperado, cada una de las tres cintas supo ofrecer algo que trascendiera a la memoria colectiva (la carrera de vainas, la lucha en el sistema Mustafar...). Sin embargo, la historia del Imperio y los Rebeldes, del Halcón Milenario y de los jedis relegados tiene su "nosequé" que nos llama más la atención, y J.J. Abrams acertó tomando el único rumbo posible: seguir hacia adelante.

4- El destino de Luke: El gran misterio cobra sentido, y es quizás la parte argumental que más me ha encandilado. Luke Skywalker, un genuino héroe, se ha convertido en leyenda y es el Dorado al que buscan acceder recelosamente todos los personajes. Y al finalizar, con el tema de John Williams y la Orquesta sinfónica de Londres de fondo, la misma que aquella vez que pareció inspirar a un joven sin futuro entre las dunas de Tatooine mientras suspiraba al ver que la puesta de Sol binario huía en busca de un lugar mejor, el mito se convierte en realidad.

5- 'Star Wars' siempre ha sido y siempre será una proeza cinematográfica: No viví aquella época de guerras de Vietnam y escándalos de Watergate también conocida como "los años 70", pero sospecho que para el público medio ocioso de aquel entonces 'Star Wars' satisfizo lo que '2001: odisea del espacio' les dejó a medias, esto es, ser una aventura espacial cuyos efectos especiales se dirijan al entretenimiento y la diversión. Marcó un antes y un después en el cine comercial (con permiso de 'Tiburón'), abriendo una brecha entre dos tipos de cine que hoy en día está más abultada que nunca. 'La guerra de las galaxias' está en la cumbre de la cultura Pop, cultura de la que, nos guste o no, casi todos en Occidente formamos parte. Pero esto no debe hacer sentir culpable a nadie, es más, una infancia sin esta saga, así como sin otras como 'Indiana Jones' o 'Regreso al futuro', posiblemente sería una niñez menos soñadora de lo que el mundo puede ofrecer.

No tienes excusa para aburrirte estas Navidades ya que siempre puedes ir al cine: están echando la última de "Star Wars".

MEJOR PELÍCULA DE HABLA INGLESA
- 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)'
- 'Boyhood (Momentos de una vida)'
- 'El Gran Hotel Budapest'
- 'Nymphomaniac'
- 'Puro vicio'

MEJOR PELÍCULA DE HABLA INGLESA
- '12 años de esclavitud'
- 'A propósito de Llewyn Davis'
- 'El lobo de Wall Street'
- 'Gravity'
- 'Her'

Mientras que la mayor parte de los grandes directores de antaño se limitan a poner su nombre a sus películas y esta es la única manera que tenemos de relacionarlas con ellos, o sacarlas tímidamente a las salas con el propósito de que se queden al menos en películas de culto, Martin Scorsese no ha bajado el pistón y ha continuado dando a su público material de primera calidad. 'El lobo de Wall Street' se decanta hacia sus mejores films (y decirlo de alguien como Scorsese tiene su mérito).

En medio de la crisis económica que sufrimos en occidente, el director neoyorkino nos trae un empacho de dinero, de la mano de, por qué no, alguien que bien pudo ser uno de los causantes de la misma. Jordan Belfort es el americano capitalista ambicioso y sin escrúpulos que se aprovecha de una de las formas más deshonrosas de ganar dinero para amasar su fortuna: la Bolsa. Pero la cinta no se centra tanto en cómo lo gana, si no en cómo lo gasta.


Es entonces cuando comprobamos una situación que nos parece tan surrealista que roza el ridículo, y es, ni más ni menos, ver cómo alguien tiene tanto dinero por encima de sus necesidades que lo gasta si titubeo alguno en grandes comidas, estupefaciente, mujeres, o directamente en lanzarlo por la borda de su yate. Se nos presenta un mundo en el que la riqueza y el honor son inversamente proporcionales. El retrato desenfrenado y caótico de esta aglutinación de excesos es el éxito de la película, tres horas de drogas, sexo y millones de dólares.

Leonardo DiCaprio se erige como el rey en su cueva de los 40 ladrones, la compañía bursátil que crea para sus propósitos ilegales. DiCaprio es el alma de otra notable película de Scorsese, narrando directamente a la cámara sus operaciones financieras de manera que el espectador las pueda llegar a entender y, realizando, quizás, su mejor interpretación. Sin embargo, este actor es del perfil más del agrado de la audiencia que de realizar interpretaciones que revolucionan en grandes certámenes, motivo por el cual se ha quedado siempre sin su ansiado Óscar y probablemente repita su carencia este año. Jonah Hill está simpático en su papel de sombra de DiCaprio, Kyle Chandler repite por enésima vez el mismo papel que en 'Super 8', 'Argo' y 'La noche más oscura', y Margot Robbie es un regalo para la vista.


A parte de todo el nudo brillantemente filmado en su propósito de resultar excesivo y enfermizo, quisiera destacar los dos momentos cumbres del metraje, en los que la crítica es más explícita, y son la conversación entre DiCaprio y McConaughey y la escena final. En ellas se sacan varias lecturas: su forma de trabajar es la de robar al cliente, cualquiera que diga lo contrario miente. Si robas poco serás un perdedor e irás a pudrirte a la cárcel. Pero si tienes éxito y robas mucho, entonces serás un héroe y tendrás a miles de seguidores queriendo saber de ti. Tan triste como cierto es que en este mundo en el que vivimos, se condena por menos tiempo por robar una fortuna que por haber hurtado una simple barra de pan.

Nota: 8/10

Los hermanos Coen nos traen este año por Reyes una de las películas más interesantes de la temporada. Tras su notable paso por Cannes, ha logrado revivir a los seguidores de su particular estilo de cine, lo que les ha servido para ser objeto de condecoración en algunos certámenes de cine más independiente.

A propósito de Llewyn Davis es solo la vida de un perdedor sin remedio, contada sin edulcorantes artificiales. Oscar Isaac da vida a un personaje apocado, el hombre con más mala suerte del mundo, que está cansado de ver cómo sus sueños se desvanecen sin más ante él. Vagabundea por el gélido invierno neoyorkino de los 60 en busca de un reconocimiento a su música que nunca llega, viviendo de la caridad de amigos y conocidos que le acogen, y huyendo de la amenaza de tener que rendirse en sus aspiraciones artísticas para reemprender una vida cotidiana y monótona.


La bella música folk se alía con una grisácea fotografía y un sentido del humor oscuro para transmitir el mundo de lástima contenida por la que el protagonista se desenvuelve. Un gato (y gata), Ulises, de tono naranja blanquecino, el animal con más estilo que se ha paseado por una pantalla de cine desde el perro de The Artist, interactúa con Llewyn con simpatía, con unos andares con los que parece querer robarle los planos. La mirada perdida de Isaac mientras sujeta al felino es la perfecta imagen de dos seres desorientados y sin hogar. Introducen aquí la metáfora del héroe perdido, errante, que atraviesa un camino lleno de obstáculos.

Todos los personajes secundarios logran sumergirse en esa atmósfera de desencanto, Mulligan con su ira y desprecio, Timberlake con su afecto sincero, y Goodman con su hiriente crítica. El filme no promete ser una inspiradora historia de superación, ni tampoco busca otorgar algo de mérito a los derrotados. El triunfo de los Coen radica en contagiarnos su desilusión, su tristeza. Es la ejecución de un trabajo formidablemente cuidado, un entretenimiento satisfactorio, cargado del cine notable y sencillo.

Nota: 8/10

Una vez terminado el año, ha llegado la hora de echar la vista atrás y hacer un repaso de los mejores estrenos que hemos tenido en nuestro país a lo largo de los últimos doce meses.

25- Antes del anochecer, de Richard Linklater

24- La gran belleza, de Paolo Sorrentino

23- Capitán Phillips, de Paul Greengrass

22- Ernest y Célestine, de B. Renner, S. Aubier y V. Patar

21- Rush, de Ron Howard

20- Bestias del sur salvaje, de Ben Zeitlin

19- Paraíso: Fe, de Ulrich Seidl

18- Frozen: el reino del hielo, de C. Buck y J. Lee

17- Una familia de Tokio, de Yôji Yamada

16- De tal padre, tal hijo, de Hirokazu Koreeda

15- Django desencadenado, de Quentin Tarantino

14- No, de Pablo Larraín

13- Don Jon, de Joseph Gordon-Levitt

12- The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer

11- La vida de Adèle, de Abdellatif Kechiche

10- Paraíso: Amor, de Ulrich Seidl

La primera parte de la trilogía Paraíso narra la aventura de una madura austríaca en turismo sexual por Kenya. La cinta está dotada de un realismo tal que el espectador viaja hasta el país africano y se vuelve testigo de un mundo mísero y decadente, de unos actos desposeídos de ningún tipo de sentimiento verídico más allá del interés de ambas partes, uno el de conseguir dinero fácil procedente de la caridad europea, y otra que termina gustándose en su condición social como dueña de hombres que se arrodillan ante su cuerpo imperfecto.


9- Searching for Sugar Man, de Malik Bendjelloul


Si hubiese sido una película de ficción en lugar de un documental hubiera resultado difícil de creer. El artista revelación de 2012 es, ni más ni menos, Sixto Rodriguez, un talentoso músico desconocido de finales de los 60 que nunca dio el salto a la fama en EEUU. Inexplicablemente, en la otra parte del mundo, en Sudáfrica, sus canciones aún resuenan en los corazones de una sociedad que le recuerda gratamente por haberles inspirado en su lucha contra el Apartheid. Sus admiradores tratarán de desentrañar el misterio sobre su olvidado ídolo.

8- Los niños lobo, de Mamoru Hosoda


Podría definirse como un heredero híbrido animado entre Mi vecino Totoro y La princesa Mononoke. Una madre japonesa se ve obligada a abandonar la ciudad y trasladarse al campo por el bien de sus hijos, engendrados con un Hombre Lobo, frutos de una relación de amor juvenil que recuerda con cariño y nostalgia. Serán los jóvenes quienes decidan quiénes quieren ser cuando crezcan, a caballo entre la sociedad y la naturaleza, sin olvidar que su destino podría verse limitado a solo uno de esos dos mundos.

7- La noche más oscura, de Kathryn Bigelow


La película que narra la cacería humana de Osama Bin Laden por parte del ejército estadounidense, acogiéndonos a la visión de los hechos que nos cuentan desde un precavido escepticismo, es un potente drama filmado con pulso firme y acción contenida. Los acontecimientos se suceden con una brutalidad atroz, detallada e impune, que intenta convencernos constantemente de que lo sucedido podría no diferenciarse demasiado a las peores torturas imaginables.

6- Lore, de Cate Shortland


El drama sobre unos niños de familia nazi que escapan de su hogar tras la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial podría no ser tan interesante si no hubiese tenido a Saskia Rosendahl como protagonista y a Cate Shortland como directora para dar forma a una película intensa y oscura, que no busca defender a vencedores ni vencidos, si no transmitir la cara oculta de un conflicto en el que los soldados no son las únicas víctimas de las represalias a los derrotados.

5- La caza, de Thomas Vinterberg


Se presenta como el paradigma del escepticismo, del error humano, de los prejuicios que, si bien han servido para prevenirse de actos crueles, también con la misma crueldad la especulación de los mismos es capaz de hundir a personas inocentes que, ni con todas las pruebas del mundo son capaces de hacer cambiar la opinión que la sociedad ya ha formulado sobre ellos. Mads Mikkelsen está espléndido como presunto culpable de pederastia.

4- 12 años de esclavitud, de Steve McQueen


McQueen reúne bajo su impecable dirección todos los requisitos necesarios para realizar una obra maestra. La ambientación sureña y los actores recrean las circunstancias del régimen esclavista norteamericano en el preludio de la Guerra Civil estadounidense. Chiwetel Ejiofor es virtuoso de la música que es enviado a los campos de algodón como esclavo. Sin embargo, su agudeza intelectual y su no resignación a perder su dignidad humana le dan las fuerzas necesarias para no desfallecer en su intento de escapar.

3- Gravity, de Alfonso Cuarón


Lo que Cuarón consigue en su nueva película es mucho más que un guión discutible y unas actuaciones sencillamente aceptables. Gravity es una experiencia cinematográfica original y genuina, en la que su director no encuentra límites a la hora de dar rienda suelta a su innegable talento. Nunca antes a los terrestres normales y corrientes se nos había brindado una oportunidad tan tentadora de viajar al espacio sin movernos de nuestra butaca.

2- Amor, de Michael Haneke


La crónica sobre la vejez más dolorosa pero veraz desde Cuentos de Tokio (1953). Haneke culminó un 2012 absolutamente triunfal (Palma de Oro, Premios de Cine Europeo, Óscars, Globos de Oro, BAFTA, e incluso Príncipe de Asturias) gracias a una de sus mejores películas, y quizás la más sencilla de toda su filmografía. El ocaso de la vida de dos ancianos músicos se nos muestra con la particular frialdad del director europeo, que rechaza todo tipo de sensacionalismo para ocultarnos tras cada uno de sus planos el trágico y silencioso advertimiento de la enfermedad y la muerte.

1- The Master, de Paul Thomas Anderson


Parece que no me cansase de hablar de esta obra maestra contemporánea de la mano de un extraño director americano que nos trae reminiscencias de un pasado dorado del cine. Todo me resulta fascinante en una película en la que la dirección, la fotografía, la música y las interpretaciones están destinadas a causar en el espectador un sentimiento extraño, casi onírico, desconcertante y desquiciante, que se conecta directamente con nuestro subconsciente. La misteriosa Iglesia de la Cienciología no podría haber sido descrita de una manera más certera.

Steve McQueen (no confundir con el actor de 'La gran evasión') presenta su trabajo más ambicioso, con el que tiene la oportunidad de acaparar más atención que ninguna otra cinta de este año dentro del panorama de premios. Y es que '12 años de esclavitud' desprende una innegable aura de genialidad, de que tenemos entre manos una película de esas que pueden dejar huella durante algunos años.

Todo destaca en esta película con aroma a Óscar. En ninguna faceta baja del notable. McQueen lleva a cabo una dirección firme, sabe que la historia que trata (la esclavitud) ha sido repetida numerosamente, quizás no tanto como debiera teniendo en cuenta el alcance de lo atroz que es, y por ello no pretende caer en el melodrama ni en muchos de los errores que suelen acompañar a los relatos de esta temática. La objetividad es su virtud, los acontecimientos se desarrollan con la misma poca piedad que los que tuvieron en su día en la realidad. El espectador recibe la escena y la valora él mismo.


Chiwetel Ejiofor da vida a Solomon, un hombre al que la arrebatan la libertad, que puede llegar a inspirar no solo a los antiguos esclavos negros y sus descendientes, si no a todos aquellos que nos sentimos de un modo u otro esclavos de la sociedad en la que vivimos, que notamos la falta de libertad de movimientos, nos damos cuenta de la opresión que se cierne sobre nosotros. El mayor don del protagonista es su inteligencia, de la que no renuncia nunca. Con ella busca mantener su dignidad como persona, es capaz de manifestar su incomprensión ante las maldades que sufre, e intenta escapar de ellas.

Michael Fassbender nos brinda otro excepcional trabajo con su interpretación como irreflexivo amo de esclavos, y se consolida, si no lo estaba ya, como uno de los actores más notables y prometedores del cine actual. No se quedan atrás tampoco todos y cada uno de sus secundarios, incluido el cameo de Brad Pitt con el que se nos introducen los emergentes ideales abolicionistas, dotando a la película de una credibilidad casi de documental.


Magnifica es también su fotografía de los campos de algodón sureños, acompañada de la banda sonora del siempre fiable Hans Zimmer y una buena ambientación de la época. Como he dicho, lo que se nos ofrece es un producto llevado a cabo con suma delicadeza, que no muestra puntos flojos y que nos brinda uno de los mayores alegatos en favor de la libertad del cine reciente.

Es quizás su elevado control en todos los aspectos lo que único que me llega a disgustar, no se toman riesgos, todo está planificado, se trata de una película que es carne de premios, lo que puede llegar a dejar de lado la opinión de los propios espectadores. Pretende alcanzar el éxito mediante la suma de sus muchos aciertos, su seriedad y su brutalidad. Su frialdad a la hora de mostrar episodios de la vida del protagonista hace que no sintamos el desgaste de esos 12 años en los que es esclavo, debido a la carencia de ningún elemento visual evidente que marque el paso del tiempo. Echo en falta, paradójicamente, la espectacularidad propia de las grandes películas.

Nota: 8/10

A finales de la década pasada parecía que, definitivamente, Pixar (propiedad de Disney) le había ganado la partida a la histórica compañía de animación, que se había dedicado a realizar secuelas de sus grandes éxitos y que, como era lógico, acababan en fracasos. Su "aliada" tampoco se lo ponía fácil, pues su notable racha iniciada con 'Buscando a Nemo' pasando por 'Los Increíbles' o 'Ratatouille' acabó elevándose a un nivel inalcanzable con 'Wall.e', 'Up' y 'Toy Story 3'.

Pero, como en un cuento de hadas, algo extraño ocurrió: los papeles de ambas compañías parecieron intercambiarse. El flexo andante dejaba de lado su incesante imaginación para producir la secuela 'Cars 2', una acumulación de ideas ya vistas sobre una joven guerrera al más puro estilo "princesas Disney" con 'Brave', y finalmente la precuela 'Monstruos University'. Disney, por su parte, acabó con la animación tradicional para pasarse al 3D desarrollado originariamente por Pixar, y volvió a contarnos historias ambiciosas y refrescantes con 'Enredados' y '¡Rompe-Ralph!'. Finalmente, 'Frozen' restablece a la compañía del ratón en un lugar eminente en el cine de animación americano, atreviéndose a desafiar en esta próxima entrega de los Óscar a la todopoderosa Ghibli.


Y es que 'Frozen' es un clásico instantáneo, que fácilmente se sitúa en el seno de las más emblemáticas historias de princesas de Disney. Basándose en la historia de Hans Christian Andersen "La reina de las nieves", el alarde visual del que es capaz de presumir esta cinta es inconmensurable. La ternura de sus personajes se transmite con simpatía al espectador, que queda maravillado por su encanto. Comprobamos con satisfacción que los tópicos que parecen que van a producirse se derriten, todo se vuelve inesperado. Los protagonistas transmiten las buenas intenciones propias de este tipo de cine, además que sus secundarios logran gags cómicos que no acaban cayendo en el ridículo.


Las dos hermanas protagonistas encarnan los valores de la historia: la soledad y el aislamiento del mundo exterior, que desemboca en el alejamiento de nuestros seres queridos, termina siendo un alegato en favor del calor humano, de la cercanía entre las personas y el sacrificio por los que queremos. La banda sonora añade luz y color a una película en la que quedarse en blanco es una preciosa virtud. El género de princesas se ha revolucionado, ya no esperan a un príncipe que les salve, si no que se calzan botas y guantes para adentrarse ellas mismas en la crudeza de una aventura anticongelante.

Nota: 7+/10

Con su cita anual con la cartelera, Woody Allen regresa a las sendas de la preeminencia del drama sobre la comedia, sin llegar a vislumbrar, eso sí, las cotas de tragedia que alcanzó con mayor o menor éxito en 'Match Point' o 'El sueño de Casandra'.

Mediante la desquiciada interpretación de una Cate Blanchett que da todo de sí, se nos presenta un drama contemporáneo, protagonizado por una antigua adinerada que le ha tocado ver como su mundo de lujos y opulencia se ha venido abajo con una crudeza alarmante. Le toca ahora, por consiguiente, lidiar con toda aquella parte de la sociedad humilde a la que siempre había mirado con desprecio por encima del hombro.


Vuelven a escena las manías neuróticas y cínicas de Allen, como ya digo, desde una visión más amarga y menos cómica. El argumento se transmite mediante la dislocación temporal, la reminiscencia, que pone en común el pasado con el presente. Sin embargo, este método no evita que el espectador llegue a una conclusión bastante predecible.

Y es que, a pesar de las buenas interpretaciones femeninas (Blanchett y Hawkins), algo que se da frecuentemente en el cine del director neoyorkino, las dos hermanas que representan dos caras opuestas de enfrentar la vida, una más superficial y elitista, y otra más humilde (que no necesariamente menos superficial), la película no produce en ningún momento la sensación de ver algo nuevo, algo que llame la atención. No sentimos empatía por los problemas de la protagonista, y con la excesiva reivindicación de las penas de los secundarios, terminamos por pensar que los argumentos de la animadversión hacia ella se vuelven redundantes.


Se queda por tanto 'Blue Jasmine' en un efectivo ejercicio de drama, inspirado en 'Un tranvía llamado deseo' (por la que Allen siente especial devoción, pudiendo poner a su película 'Annie Hall' el título de "Una montaña rusa llamada deseo"), pero que carece de la substancia de poso que suele quedar tras el visionado de las películas de este director. Me deja la sensación de ser, a nivel argumental, una de las pocas historias intrascendentes y prescindibles de su filmografía.

Nota: 7/10

Bob Fosse, actor convertido en director por primera vez en esta película, dirige irregularmente un musical adaptado de la aclamada película de Federico Fellini 'Las noches de Cabiria'. Y digo irregular porque, a pesar de que algunas escenas están dotadas de la maestría estética que acompañaría posteriormente al director ganador del Óscar por 'Cabaret', se nota quizás el producto de su inexperiencia (esta es su opera prima), y algunos bailes, a pesar de ser innegablemente simpáticos, resultan demasiado simplones.

La historia abandona la Italia inicial para presentarse en Nueva York varios años después. Cabiria se llama aquí Charity, interpretada por la acogedora Shirley MacLaine (que ya había actuado de prostituta para Billy Wilder en 'Irma la dulce'). Al igual que Giulietta Masina en la original, MacLaine es la encargada de transmitir al espectador los encantos de la historia, la mísera vida de una ingenua chica de alterne que busca desesperadamente encontrar el amor de su vida. Un amor con el que, paradójicamente, nunca se podrá topar debido a su profesión.


El musical es mucho más alegre y sentimental que la película de Fellini. Se nota en que, a pesar de adaptar algunos pasajes (la escena inicial, el actor famoso...), el sentido final, que no cambia substancialmente, sí que ve variado el modo en el que se acaba canalizando, de una manera mucho menos cruel y desgarradora.

Indudablemente el mayor defecto de la cinta es su excesiva duración. A pesar de que las canciones son disfrutables, algunas escenas de bailes se alargan sin sentido en el tiempo, como intentando servir de relleno a una película que, como digo, por el planteamiento de amable comedia romántica que se le ha hecho no debería durar mucho más de una hora.

Nota: 7/10

Casi una década después del inicio de 'Los Simpsons', la serie de animación que hizo popular a su creador, Matt Groening decidió embarcarse en una aventura futurista, con un humor mucho más negro y gamberro que el de la familia amarilla: 'Futurama'.

El destino de ambas series es imposible de no analizar ligado la una con la otra. Mientras que la protagonizada por Homer Simpson siempre ha acaparado la mayor atención mediática, 'Futurama' ha vivido bastante en la sombra, en horarios con menos audiencia y con un reconocimiento menor. Pero no ha pasado desapercibida, puesto que son numerosos los fans que han empezado a reivindicar una última oportunidad a la serie de ciencia-ficción para reemplaza algún día, si cabe, a la serie más longeva de la televisión.

¿Qué puede aportar 'Futurama' que no puedan 'Los Simpson'? En primer lugar, debo asentir en que muy pocas obras de cine/TV pueden equipararse a los mejores episodios de Bart y compañía, episodios completos, llenos de humor sarcástico, crítica social y cierta emotividad. Tampoco tiene rival en su fascinante despliegue de personajes secundarios, que convierten al pueblo de Springfield en un lugar inmensamente polifacético. Aún así, 'Futurama' también presenta una colección de personajes extravagantes, especialmente los integrantes de "Planet Express", la compañía de reparto interplanetaria en la que trabajan los protagonistas. La empresa está integrada por el alcohólico, cleptómano y despreocupado robot Bender, el estúpido pero casi siempre tierno hombre del pasado Fry, la combativa piloto cíclope Leela, el alocado anciano profesor Farnsworth, la egocéntrica y rica aprendiz del profesor Amy, el quisquilloso burócrata Hermes y el surrealistamente inútil doctor Zoidberg; rodeados de toda su original mitología, como, por ejemplo, las cabezas vivientes de famosos

Sin embargo, sin dejar de comparar ambas series en sus mejores épocas ('Futurama' aún no ha tenido tiempo de tener malas temporadas), la segunda gran serie de Groening posee un filón prácticamente inagotable: la más retorcida fantasía. Mientras que Springfield no deja de ser una parodia constante del mundo cotidiano, Nueva Nueva York es el centro de todo un universo de posibilidades argumentales, lo que ha sido demostrado por su infinita variedad de guiones para cada uno de sus capítulos, cada cual más surrealista e imposible, sin caer nunca en la presuntuosidad.


Más allá de su humor hiriente (protagonizado en su mayoría por Bender), que rompe sensiblemente con la moralina simpsoniana, la serie del futuro ha sabido dedicar capítulos a la emotividad, demostrando que en esa faceta también tiene mucho que decir. Algunos de sus episodios han conseguido conmover a los espectadores con una inesperada ternura oculta entre su tono cómico, sobretodo cuando las historias del pasado y del futuro se unen. La crítica social también está presente, aunque quizás un poco desvirtuada, destacando, incluso aún más que en 'Los Simpson', los lejanos límites de la estupidez humana (generalmente a través del personaje de Fry).

A continuación, mi ránking personal en cuanto a los capítulos de la serie:

-1º El difunto Philip J. Fry: Por desvelar el secreto del universo... dos veces.
-2º La picadura: Por jugar con el surrealismo de una manera tan fascinante.
-3º La suerte del Frylandes: Por ese ¿inesperado? y desgarrador final.
-4º Las manos del diablo son juguetes ociosos: Por ser una de las historias más originales de toda la serie.
-5º El planeta natal de Leela: Por desvelar el gran secreto de una manera tan tierna y acogedora.
-6º Inspección letal: Por ese gesto final que sirve un homenaje a la vida.
-7º Ladrido jurásico: Para la mayoría, el más querido, por ser uno de los momentos más emotivos y tristes de la animación estadounidense.
-8º Fry y la fábrica de Slurm: Por tener algunos de los mejores gags cómicos de toda la serie.
-9º Meanwhile: Por ese enternecedor y agradecido ¿punto final? a la serie.
-10º La guerra es una M: Por ser una de las críticas más corrosivas a la par que irónicas del ejército estadounidense.

Después de ser cancelada tras su cuarta temporada en 2003, volvió a aparecer ante su público en 2007 con la salida en DVD de 4 películas, ninguna de ellas excesivamente destacable más allá de la primera media hora de la cuarta, 'Hacia la verde inmensidad'. Más tarde, en 2010 volvería a retomarse por dos temporadas más, hasta que, finalmente en 2013, se daría por concluida la serie "definitivamente", a pesar de que siempre han dejado la puerta abierta a regresar.


De este modo, la sensación que nos queda tras su último episodio es la de que aún quedan muchas más historias que contar. Y mientras que la mayor parte de sus fans pide a gritos el fin de la decadente 'Los Simpson' como impulso de la resurrección de 'Futurama', termina demostrando por méritos propios que se trata de una serie animación infravalorada, quizás, demasiado avanzada para su época.

Nota: 8/10 

Alfonso Cuarón eleva el nivel cinematográfico de lo que llevamos de año (bastante bajo de momento, aunque también es verdad que las, en teoría, mejores películas acostumbran a estrenarse a partir de estas fechas) con una película que, si bien es discutible si "es mejor que" otras, lo que sí ha demostrado por méritos propios es haber conseguido explorar un universo bastante dejado de lado en el cine: el espacio 3D. Y nada mejor que hacerlo en el propio espacio exterior.

El uso del espacio como plataforma de actuación le dan infinitas posibilidades a un director que, como ya demostró sin ir más lejos en 'Hijos de los hombres', posee un repertorio de planos y utilización de la cámara prodigioso dentro del cine actual. El famoso plano-secuencia de 'Hijos de los hombres' que "sacudió" a la audiencia tiene en 'Gravity' una réplica. Y es que la apertura de la cinta es, como su antecesora, digna de alabanza, porque la complejidad que esto supone es extraña que se pretenda buscar en el cine, pues el corte de la secuencia es una de sus principales "ventajas" sobre el teatro (¿alguien vio 'La soga' de Hitchcock?).



La experiencia que supone la visualización de 'Gravity' es plenamente sensorial, por ese motivo, el propio director aconseja que los espectadores acudan a las grandes salas en 3D para que los sentidos capten con más intensidad la intención fílmica. Y en este aspecto, tiene toda la razón.

La trama vive a expensas de su parte técnica, si bien es verdad que la historia no requiere demasiado tiempo en resumirse, busca más la interacción personal del espectador con el relato. En este sentido, 'Gravity' supone toda una revolución, pues lo más cercano que podemos encontrarnos a algo así es lo que pueden ofrecernos en pequeñas dosis en algunos Parques Temáticos. En esta cinta, se lleva a su máxima capacidad.

Sandra Bullock se convierte, con el co-protagonismo de George Clooney, en el centro de la experiencia, como si de alguna forma fuese nuestro propio avatar dentro de la película, ayudado en este sentido por unos adecuados planos subjetivos.  Es la encargada de poner el realismo que en todo momento la película pretende aparentar.

Como  defendió el propio Steven Spielberg en algunas declaraciones sobre '2001', 'Gravity' va más allá del género de ciencia-ficción para convertirse en "ciencia-eventualidad", un próximo objeto de estudio que sobrepasa las fronteras del cine.

Nota: 8/10

La influencia de Disney ha invadido la infancia en todo occidente. Sus personajes, estereotipados príncipes valientes y honrados, y delicadas y hermosas princesas, llevan marcando a la sociedad desde hace generaciones. La consecuencia había sido una disgregación por causa de género, en las que las principales perjudicadas eran las niñas, que en ningún momento tenían al alcance heroínas a las que idolatrar que las independizaran del hombre.

El cine de Ghibli, en especial de Hayao Miyazaki, director de, entre otras, la película de la crítica, propone un vuelco revolucionario de la hegemonía de la factoría californiana. Miyazaki ya plasmó en su primera película, 'Nausicaa del Valle del Viento', que sus personajes femeninos no quedarían relegados a un plano de debilidad. Nausicaa es una princesa guerrera, luchadora, inteligente y quien lleva a cuestas su propia aventura.

Además de esto, también es el paradigma de otros dos rasgos indentificativos del director japonés: su respeto y admiración por la Naturaleza y por el elemento del Viento. Tres factores a los que, a través de una imaginación desbordante, recurrirá en mayor o menor medida en toda su producción posterior, dando a luz a magníficas obras como 'El castillo en el cielo', 'La princesa Mononoke', 'Porco Rosso', 'El viaje de Chihiro' o 'El castillo ambulante'.


Pero en 1988, año en el que su colega en la compañía Takahata dirigió 'La tumba de las luciérnagas', de un registro mucho más triste y frío, Miyazaki estrenó lo que parecía un alter ego de la misma, donde la idealización de los sentimientos humanos en su grado más puro y sincero dotaron su metraje de una inocencia y humanidad alentadora, como nunca antes se había tenido el placer de disfrutar en el cine: 'Mi vecino Totoro'.

Protagonizada por dos niñas, narra su traslado al campo con su padre, motivada por la enfermedad de su madre. Satsuki y Mei tienen la oportunidad de juguetear en la naturaleza, rodeadas de un padre atento y encantador, y de unos vecinos solidarios y trabajadores. La imaginación infantil se mezclará con la realidad cuando las chiquillas conozcan a un extraño espíritu del bosque: Totoro.

 El drama que salpica sus vidas será aliviado por la alegría y la ilusión que les empuja a conocer el nuevo mundo que les rodea, donde detrás de cada tronco de árbol o arbusto pueden encontrarse a un ser maravilloso que solo ellas pueden ver. Una versión muy diferente de la infancia actual, donde los niños viven en ciudades, rodeados de máquinas y contaminación, y muy pocas veces tendrán la oportunidad de disfrutar de la Naturaleza o de darle rienda suelta a la imaginación.


Los sentimientos que desprenden son tan cercanos que nos identificamos con ellas de múltiples maneras: como padres, como hermanos mayores... pero incluso como hermanos menores, fascinados por esa madurez que empieza a despertar en las jovencitas. La película posee una ingenuidad tan deliciosa que llega al corazón, que va más allá de su inicial inclinación infantil.

Y realmente me arrepiento de no haber podido disfrutar esta compañía de animación en mi infancia, más bien por la culpa de la alarmante sombra acaparadora de Disney. He perdido que la influencia benigna casi medicinal del cine de Miyazaki, de sus fantasías, sus preciosas bandas sonoras y sus magníficos dibujos hechos con la técnica de animación tradicional hayan penetrado en mi subconsciente, para poder haberme convertirdo, quizás, en una persona mejor.


Pero hoy, siendo ya adulto, me impaciento a la hora de ver una nueva película suya antes de dormir, porque sé que marcharé a la cama soñando con universos utópicos, llenos de encantos y de bondad; y me mantengo risueño, deseando que, ojalá, el mundo real pueda llegar a ser algún día así de perfecto.

Nota: 9/10

El recorrido europeo de la pareja cinematográfica de Celine (Julie Delpy) y Jesse (Ethan Hawke) llega a su fin en las costas griegas. En esta ocasión, Richard Linklater, su director y guionista (o co-guionista, junto con sus dos actores principales), repite fórmula, sin embargo, se muestra más ambicioso y completo que con sus antecesoras.

'Antes del amanecer', en 1995, nos contaba el encuentro casual de un joven americano y una joven francesa en un tren que recorría Europa, a la altura de Viena. A pesar de los discursos que pronunciaba la pareja, siempre realistas y humanos, el encuentro no dejaba de ser idílico, la consumación del sueño romántico perfecto: encontrarte a una persona maravillosa que te invitara a pasar la noche de tu vida en una exótica capital europea.


'Antes del atardecer', en 2004, nos contaba el reencuentro de los dos amantes varios años después. Ambos actores, ahora mucho más maduros, constituían una película mucho más sincera y desengañada que la primera. Las secuelas del amor romántico les estaban pasando factura y necesitaban liberarse de toda aquella tensión, y recapacitar sobre lo sucedido desde una visión más racional. El metraje pecó de una demasiado corta duración.

'Antes del anochecer' se muestra como el capítulo más maduro con diferencia. Juega, además, con el factor "cariño" para quienes ya habíamos visto las anteriores, afecto por unos personajes que al abrirse nos han llegado en mayor o menor medida y que hemos visto su evolución. A pesar de repetir patrón (sus incansables diálogos, el alma de cualquiera de las tres cintas), en esta ocasión entran en juego más personajes, con los que sentimos a Celine y Jesse colocados sobre un lugar real en el mundo. La unión definitiva de ambos personajes crea en nosotros cierta sensación de satisfacción, y dota a la película de una oportunidad de tratar temas que antes no había podido, especialmente la paternidad y la vejez, algo que no es ni mucho menos original en su base, pero sí en la profundidad en que se aborda.


Sin embargo, la trilogía no deja de ser un ejercicio de estilo de su creador, que plasma en el guión, hábilmente, una serie de reflexiones personales, que divide entre las dos voces protagonistas. Linklater destaca más como guionista que como director, y es precisamente por su trato muy íntimo de la obra por lo que recibe detractores (al igual que partidarios). Se deja ver una innegable influencia alleniana en su inmersión en el pseudogénero "comedia romántica inteligente" y las relaciones de pareja, pero, como es obvio, el portentoso uso de la crítica irónica y el sentido del humor de Allen les hacen incomparables.

La trilogía que ahora cierra 'Antes del anochecer' es una alternativa a las ligeras comedias románticas contemporáneas. Un producto más exquisito, y por tanto, más restringido al público general.

Nota: 7/10